La sombra vanguardista de Ai Weiwei es alargada. Casi un año después del estreno de Don Quixote, la exposición del artista chino que atrajo a más de cien mil visitantes entre 2024 y 2025, el MUSAC presenta Yoko Ono. Insound and Instructure, la mayor retrospectiva dedicada a la creadora japonesa en España en los últimos diez años (hasta el 17 de mayo de 2026). Una propuesta con la que el museo busca consolidar el impulso generado por el anterior éxito expositivo y mantener a León en el mapa internacional del arte contemporáneo.
La muestra, que abrirá sus puertas al público esta tarde a las 19:00 h, ocupa 1.700 m2 y reúne más de 80 obras creadas entre 1953 y la actualidad. No sigue un orden cronológico, sino que confronta piezas de distintas épocas para mostrar la coherencia de una trayectoria que ha situado a Ono como figura clave del arte conceptual, el cine y la performance. “Esta es una exposición muy especial y oportuna, que ofrece nuevos contextos y formas para que los visitantes experimenten la obra de Yoko. Está arraigada en su uso del lenguaje y la instrucción, y se desarrolla a través de la instalación como un espacio para la imaginación y la participación”, explica Connor Monahan, comisario de la exposición junto a Álvaro Rodríguez Fominaya y Jon Hendricks.
La retrospectiva Insound and Instructure toma su nombre directamente del concierto y la exposición que Yoko Ono presentó el 20 de julio de 1964 en Yamaichi Hall (Kioto), donde utilizó por primera vez los términos insound e instructure para describir cómo integra sonido e instrucción en su obra. Ese punto de inflexión da contexto a la exhibición del MUSAC, en la que conviven performances, películas, piezas musicales, instalaciones, pinturas y fotografías que recorren siete décadas de práctica artística.
El recorrido aborda los temas que han definido su trayectoria: la imaginación como herramienta transformadora, el activismo por la paz, el humor y el absurdo como pulsiones conceptuales, la reflexión sobre el papel de la mujer en la sociedad y la presencia persistente de la naturaleza. Una manera de entender la vida y el arte respaldada por un reconocimiento internacional amplio, como demuestran las retrospectivas recientes en Tate Modern, Neue Nationalgalerie, Gropius Bau, MoMA o el MCA de Chicago. “Yoko Ono es una artista cuyo impacto en la historia del arte contemporáneo sigue creciendo a medida que comprendemos la influencia que ha tenido en las generaciones posteriores. Insound and Instructure permite a los visitantes sumergirse en un universo creativo que desafía la categorización y cuestiona los límites entre el artista y el público”, destaca el comisario Álvaro Rodríguez Fominaya.
La exposición integra algunas de las piezas más significativas de su carrera. Painting to See the Skies (1961) abre una línea de trabajo en la que el cielo actúa como metáfora de libertad, un motivo que aparece también en Sky TV (1966), una de las primeras vídeo-instalaciones de la historia que transmite en directo lo que sucede sobre el MUSAC, y en Skyladders (1968), un agrupamiento de escaleras de madera que sugiere ascenso y posibilidad.
La presencia de la primera edición de Grapefruit (1964) permite entender el origen de sus obras, muchas de ellas basadas en instrucciones, una lógica que atraviesa creaciones participativas como Draw Circle Painting (1964), donde el público completa el cuadro, o Mend Piece (1966/2), que transforma un gesto íntimo en una acción de reparación compartida.
La dimensión performativa ocupa un lugar destacado con la película de Cut Piece(1964), registrada en el Carnegie Recital Hall y considerada un momento fundacional de la performance contemporánea, así como con la interpretación en vivo de la obra en León. A ello se suma Voice Piece for Soprano (1961), activada por los visitantes mediante gritos dirigidos al cielo, la pared o el viento siguiendo las directrices de la artista.
Entre las instalaciones, destacan AMAZE (1971), un laberinto de plexiglás que concluye en un retrete y plantea la fricción entre lo privado y lo público, y EN TRANCE (1990), concebida como un umbral con varias rutas posibles –un tobogán, una cortina, un pasillo estrecho– que subrayan la idea de elección y participación. También hay obras de gran formato y de cine experimental, como la película Rape (1968), rodada junto a John Lennon y centrada en la persecución de una joven durante dos días por un equipo de filmación, exponiendo la violencia que implica una mirada insistente y sin consentimiento.
